art spectacle, Signé (231 résultats)

Oil on canvas, laid down on wood, 22 x 30 inches. Signed and dated lower left: "Alfred Agoust / 1893," titled: "Buffalo Bill" on Kennedy Gallery labels. Superb condition, period-style gilt American exhibition frame. Provenance: Kennedy Galleries (labels); Collection of Edward Eberstadt & Sons. A very rare contemporary oil painting of an Act in Buffalo Bill's Wild West Show: Amost all of the images of the Wild West show are found in the great lithographic posters and photographs produced by the William F. Cody publicity machine. Period oil paintings of the Buffalo Bill act are very rare indeed. This wonderful image, showing a comic routine Buffalo Bill evidently adopted from European circus acts, is a unique contribution to the iconography of the Wild West Show. This entertaining painting almost certainly depicts a version of the comedy pantomime routine called "The Frenchman's Bottle Gag" as performed in England by Buffalo Bill Cody's Wild West Show. The painting shows a bewildered Buffalo Bill in the center of the canvas, apparently ready to come to blows with two cockney characters on either side of him, one of whom is swilling a drink from a flask. A prominent historian of performance tells us: "The gag, made famous in Paris by the Hanlon Brothers and their collaborator, the Agoust Family Jugglers, in the long playing three-stage acrobatics, magic, and pantomime spectacular, Le Voyage en Suisse, usually involves two clowns, a ridiculously dressed Frenchman, and his bottle. The clowns steal his bottle and surreptitiously sneak sips back-and-forth, as the bewildered Frenchman desperately attempts to figure out who's got his bottle. This image is of costers or pearlies, East End London cockneys, victimizing the Buffalo Bill character - the old Hanlon & Agoust drinking routine re-costumed for the Wild West show's British audience." Buffalo Bill Cody's Wild West Show made two extensive tours of England and Europe prior to the date of this painting, 1887-1888, arriving for Queen Victoria's Golden Jubilee, and 1889-1893, playing the great theaters and fairgrounds. The 1893 tour was at the height of the show's fame. The 1893 show program correctly stated, "Since the visit of Buffalo Bill's Wild West to England and its remarkable engagement in London, at West Brompton, in 1887, a history and tour have been made, such as no organization of its magnitude and requirements ever accomplished." Henri Agoust, the Hanlon's long-time collaborator (the parties later fell out and sued each other in a bitter legal dispute), had a son named Alfred, a member of the Agoust Family Jugglers. According to a census of traveling show people, he would have been in his early twenties in 1893. His biography is otherwise unknown. It seems likely, however, that the juggling Alfred Agoust was also the well trained, talented artist responsible for this magnificent show business painting, with its attention to costume, props, and comic gesture, demonstrating the specialized knowledge of the insider. John A. McKinven The Hanlon Brothers, their amazing acrobatics, pantomimes and stage spectacles (Glenwood, Illinois: David Meyer Magic Books, 1998), passim; Buffalo Bill's Wild West and Congress of Rough Riders of the World (Chicago: Blakely Printing Company, [1893]), passim.

Pencil portrait on paper, signed and dated by the artist; unframed, 215 x 165 mm. A fine pencil portrait of a young W.B. Yeats by the artist Pamela Colman Smith, dated October 1901 and signed with her characteristic cipher. Already with two published collections of Jamaican folk stories and four years of study at the Pratt Art Institute under her belt, the young Pamela Colman Smith could not be accused of lacking in motivation. Some of her earliest published artwork appears in Bram Stoker's souvenir volume for the Lyceum Theatre company's tour of North America in 1899, and it was to Henry Irving and Stoker that she hopefully presented her stage designs when she returned to England, the country of her birth, in 1900. Although this precocious approach came to little, aside from a lasting friendship with Ellen Terry and her daughter Edith Craig, from whom perhaps she acquired the nickname 'Pixie', this did little to dampen her spirits. Colman Smith turned next to William Butler Yeats with her stage designs for a miniature theatre production of The Countess Cathleen, which she had previously performed in New York. 'The fact that she designed this play within two or three years of its first publication in 1895, and at least several months before its first performance in Dublin on 8 May, 1899, is an indication of her up-to-date reading, her experimentalism and her ready response to Yeats's poetry.' (Joan Coldwell, Pamela Colman Smith and the Yeats Family). She described Yeats after their first meeting in March of 1901 as looking 'rather like a demon,' a 'rummy critter!' who appeared bored when asked to perform for 'ladies with ermine collars. who all told him how very much they liked his bloomin' poetry, which probably they had never read or heard of. then W.B. began to talk! folklore - songs, plays, Irish language, and lots more - reciting a sort of folk song which was splendid. it was fun and we all liked it very much!'. Yeats for his part was delighted by her designs and immediately began imagining future productions, while Colman Smith drew two quick sketches of him. Pixie became close friends with the Yeats family, visiting them in Ireland for the first time in the autumn of 1901, where she recalled having 'had just a bully time! - with Lolly and Lilly and Jack Yeats and Willie!'. The present pencil sketch dated October 1901, showing W.B. Yeats in profile with his rimless spectacles and 'just sufficiently crooked bow tie', as Louis Macneice would later put it, may date from this time. It certainly resembles the description given by Pixie from her visit to Dublin in December of the same year, where Yeats was 'like an owl' who 'kind of chants in his talk - and looks through his glasses sort of kockeyed'. Colman Smith later advertised for sale prints of 'A Portrait of W.B. Yeats, from a Drawing by Pamela Colman Smith' in the 9th issue of her publication The Green Sheaf, but it is not clear whether this was after the present pencil sketch. In any case, the drawing certainly was published, perhaps rather unexpectedly, in Yone Noguchi's memoir '13 Years in Britiain and America' (eibei no jusannen). Noguchi had visited Yeats in London, and was later to be a significant influence on his studies of Japanese Noh theatre. It is known that a portrait of Yeats once hung in his studio in Tokyo, but again it is not clear which.

1. Le Nouveau Spectateur, 1 vol. in-8 de (4)-532-388-(2) pp. (1) f., veau fauve marbré, dos lisse orné, pièce de titre en maroquin rouge, tranches rouges (reliure de l'époque). 2. Journal des Théâtres, 4 vol. in-8 de (2)-7-(1)-384-(2) pp. ; (2)-402 pp. ; (2)-407-(3) pp. ; (2)-304 pp., demi-basane blonde, pièces de titre et de tomaison en maroquin blond, dos lisse orné (relié vers 1810).3. Le Censeur dramatique, 4 vol. in-8, de 8-584 pp. ; 576 pp. ; 576 pp. ; 256 pp., cachets anciens, basane havane, dos à nerfs orné de fers à l'oiseau, pièces de titre en maroquin havane et de tomaison en maroquin vert, tranches rouges (reliure de l'époque). Exceptionnelle collection publiée sous trois titres successifs entre 1776 et 1798 du « premier journal de théâtre proprement dit » (Hatin) dédié exclusivement à la critique dramatique - enrichie de deux lettres autographes de son dernier directeur Grimod de la Reynière, dont une adressée à l'acteur le plus prestigieux de son temps, Talma.En 1776, Jean-Pierre Le Fuel de Méricourt (1748-1778) acheta Le Nouveau Spectateur à son fondateur Le Prévost d'Exmes qui avait lancé un répertoire sous ce titre en 1770. La première livraison entièrement rédigée par ses soins parut chez Esprit le 1er avril ; le titre modifié pour la cinquième livraison devint Journal des Théatres ou le Nouveau Spectateur.« Ce qu?on y trouve de mieux, c?est une grande hardiesse à s?expliquer sur le compte des histrions, sacrilège littéraire dont ceux-ci se plaignent hautement, et qui pourra bien mériter au critique la suppression de son journal. » (Bachaumont, Mémoires secrets). Ce qui arriva ! Sur la plainte de comédiens, Le Fuel fut dépossédé de son journal après le n°14. C'est Jean Le Vacher de Charnois (1749-1792) qui prit sa succession et lança une nouvelle série du Journal des Théâtres (le n° 1 parut le 1er avril 1777) puis renonça cinq mois plus tard, en septembre 1777 ; le journal fut alors continué par Alexandre Grimod de La Reynière (1758-1838) alors âgé de 19 ans et un groupe d'amis. « Un Avertissement des nouveaux auteurs, le 15 septembre 1777, déclare : "par une Société de Gens de Lettres" puis « Nous sommes quatre, l'un donne ses soins à l'Opéra, l'autre aux Français, l'autre aux Italiens, le dernier se charge de veiller à l'impression. On n'en saura jamais davantage ». Les réponses des rédacteurs aux lecteurs sont signées A., D., B., O. Collaborateurs occasionnels : La Harpe, Leroy de Ligny, de La Tour, etc. En butte aux tracasseries de son nouveau censeur, Le Fuel fait appel à ses lecteurs dans la « Lettre aux souscripteurs du Journal des théâtres » du 10 novembre 1776, mais doit finalement céder la place. Le Vacher de Charnois, gendre du comédien Préville, bénéficie de l'appui financier de son beau-père et traite directement du rachat avec Le Prévost d'Exmes qui avait gardé un droit sur chaque souscription perçue. Le Fuel exprime son ressentiment dans un Mémoire à consulter pour les souscripteurs du Journal des théâtres. Il y expose les réponses faites aux souscripteurs étonnés et le résultat d'une comparution de toutes les parties le 30 janvier. Il semble néanmoins que Le Vacher de Charnois ait obtenu de garder tous les souscripteurs qui n'avaient pas souscrit d'engagement nominal avec Le Fuel. Mais le Journal des théâtres loue trop souvent Préville et sa fille, au détriment d'autres acteurs, particulièrement Molé, contre lequel Le Vacher revient sans cesse. A son tour, il est dépossédé. Dans une note d'une lettre de Cailhava à Le Vacher, celui-ci déclare renoncer au Journal des théâtres ; dans ce même numéro, on trouve un Avis à son successeur et les Adieux du rédacteur. Le journal est alors continué "avec une impitoyable rigueur à la définition du goût et de la vérité" par Grimod de La Reynière âgé de 19 ans et son groupe » (Pierre Peyronnet).« C'est ce journal que nous voulons ressusciter aujourd'hui », annonce Grimod vingt ans plus tard en 1797 s'inspirant du feu Journal des théâtres pour créer Le Censeur dramatique ou Journal des principaux Théâtres de Paris et des Départemens. Les années révolutionnaires avaient amené de profondes modifications dans la vie des théâtres. Un nouveau public faisait la loi. L?argent et le pouvoir n?allant pas nécessairement de pair avec le bon goût et la culture, Grimod de La Reynière, scandalisé par la décadence du théâtre, entreprit de « ramener la saine portion du Public au goût du bon, au discernement du beau, à la juste mesure des convenances théâtrales et par de sévères mais courtoises critiques d?éclairer les comédiens sur les finesses de leur art et les acteurs sur les principes éternels de la création dramatique.Le Censeur dramatique parut du 10 Fructidor an 5 (27 août 1797) au 10 Messidor an 6 (28 juin 1798). Ses trente et un numéros constituent une mine d?informations sur l?organisation des théâtres, les comédiens, les auteurs, le décor, le costume, l?interprétation du répertoire classique, à une époque où la Société des Comédiens français, dissoute par les autorités révolutionnaires, n?était pas encore renée de ses cendres ».Les tomes II et IV du Censeur dramatique sont truffés de deux lettres autographes signées de Grimod de La Reynière, la première à Monsieur Santerre Notaire à Magny (II, pp. 112-113) : Vous m'avez manifesté l'autre jour, Monsieur, le désir obligeant d'être au nombre des abonnés au Censeur dramatique, en conséquence j'ai l'honneur de vous adresser ci-joint la quittance dont vous pouvez remettre le montant au Postier ; et vous pouvez être sûr de l'exactitude avec laquelle on vous le fera passer à Magny, lieu de votre résidence ordinaire. Si même vous pouviez nous y procurer quelques abonnés, je ne doute pas que le bureau ne consentit à vous faire jouir des mêmes avantages que les libraires sur les abonnements. En conséquence il vous ferait alors une remise de 2£ par souscription. Il m'aurait été bien plus agréable monsieur de vous envoyer gratuitement cette feuille mais vous connaissez assez ma malheure.

First edition, first printing, a quite breathtaking copy, signed by three dozen jazz luminaries, including Miles, Diz, Mingus, Prez, Duke, and a trio of drummers in Max Roach, Gene Krupa, and Shelley Manne. The assiduous collector was Evelyn M. Glidden of Watertown, Massachusetts, her ownership adding a certain poignancy, as she conducted a brief, platonic, affair with Bud Powell in 1956. Bud has signed page 166, "Earl Powell (Bud)", and Glidden has added a note recording the time and place, "Jan. 10 '56", and that the trio consisted of John Ore (bass) and Ed Thigpen (drums), the location being Storyville, the famed Boston jazz club. Powell's biographer Peter Pullman tells the story of their relationship, and that when touring, "there were plenty of times when Powell was left alone in these faraway clubs. He made a sad picture, sitting alone at a table, staring off, whiling away the time until the next set. He was most often perceived in this context to be a nonperson, just a machine that lay idle until it was cranked up again to function at the keyboard. But on one of these nights, a jazz novice saw not a machine in disuse but a lonely person. Glidden, a recent Business and Engineering Management (honors) graduate, had been deeply impressed by Powell's performance". She later wrote to Powell's manager, Oscar Goodstein, that "here [was] the spectacle of a great pianist whose brain it seemed had been injured and who therefore could not play with his full brilliance!" (cited in Pullman). She approached the pianist, they got talking and Powell "propositioned Glidden more than once"; she declined his advances but "sensed how difficult real contact was for Powell". Glidden made the journey to New York in May '56 to see him perform at Birdland but "they had a misunderstanding. and she walked out of the club. It must have been clear to both that this fantasy couldn't continue, but her compassion marked her as more than an average fan". Evelyn Glidden was certainly more than "an average fan". Her neat pencilled annotations are scattered throughout this copy, noting the correct running order on a recording and spellings of musician names, underlining songs that must have been part of a set list at gigs, occasionally dating an autograph (that of Miles is from '55); although some artists obligingly date or embellish their signatures: Red Garland writes "lots of luck. 10 '56"; Wild Bill Davison closes his autograph with a blaring trumpet and the date "11 '56"; George Wein says "Thanks for the help"; Lester Young signs in full and as Prez. Aside from those already named, the autographs include Gerry Mulligan, Sarah Vaughan, Count Basie, Harry Carney, John Lewis, Connie Kay, Kai Winding, J. J. Johnson, Erroll Garner, Milt Jackson, Woody Herman, Sonny Stitt, Turk Murphy, Hampton Hawes, Oscar Peterson, Pee Wee Marquette, Terry Gibbs, Charlie Mariano, Roy Eldridge, Phineas Newborn, Art Taylor, Pee Wee Russell, Marian and Jimmy McPartland, Muggsy Spanier, and Eddie Condon. Additionally signed by Powell's manager, and co-owner of Birdland, Oscar Goodstein, George Wein and his right-hand man Charles Bourgeois, producer Tom Wilson, and actress-activist Frances E. Williams. The autographs of several artists are highly uncommon, in particular those of Phineas Newborn, Hampton Hawes, and Charles Mingus. This extraordinary copy of Fred Ramsey's convenient overview of current recordings was evidently carried diligently to gigs in Boston and New York, the autographs lovingly gathered and the annotations neatly and painstakingly made, reflecting a deep affection for the music and the people who made it. Provenance: from the collection of Rolling Stones drummer Charlie Watts (1941-2021), with his posthumous bookplate. Peter Pullman, Wail: The Life of Bud Powell, 2012. Octavo. Original black cloth, spine lettered in blue. With dust jacket. With 16 half-tone plates of illustrations. Ink stamps of Evelyn M. Glidden to first few leaves, her indexing notes to rear free endpaper. Spine lettering rubbed and chipped, extremities lightly worn, old tape marks to endpapers; unclipped jacket a little rubbed, a few nicks and chips: a very good copy in very good jacket.

First edition of the author's first book, and one of the greatest baseball novels of all time. Octavo, original cloth. Advance review copy with the slip laid in for a release date of August 21, 1952. Association copy, inscribed by the author on the front free endpaper one month before the date of publication, "For Susie and Paul Cordially Bern July, 1952." The recipients, Suzanne and Paul Shrag were close friends of Malamud. Near fine in a near fine dust jacket. Cover art by Simon Goltche. Housed in a custom clamshell box. "Malamud has done something which now that he has done it! looks as if we have been waiting for it all our lives. He has really raised the whole passion and craziness and fanaticism of baseball as a popular spectacle to its ordained place in mythology" (Alfred Kazin). It was the basis for the 1984 film bearing the same name directed by Barry Levinson and starring Robert Redford, Glenn Close, and Robert Duvall. Variety called the film "impeccably made . fable about success and failure in America." James Berardinelli praised The Natural as "[a]rguably the best baseball movie ever made." Sports writer Bill Simmons has argued, "Any 'Best Sports Movies' list that doesn't feature either Hoosiers or The Natural as the No. 1 pick shouldn't even count.".

Paris, Vezard & Cie, 1829. In-8 (207 x 127 mm). plein veau glacé vert sapin orné d un riche décor romantique, dos à 4 faux-nerfs garnis de triples filets dorés, fer spécial doré répété entre-nerfs, filets et palettes à froid et dorés, grand décor à la plaque estampé à froid sur les plats dégageant un médaillon central encadré d un jeu de filets d encadrement dorés, roulette sur les coupes, dentelles sur les chasses, gardes de papier marbré, tranches dorées (reliure de l'époque signée Thouvenin), x, (-11), 171 p. Édition originale de premier tirage, exemplaire provenant de la bibliothèque du duc d'Orléans, le futur roi Louis Philippe qui fut intimement mêlé à la composition de la pièce et participa à sa première représentation. Représentée à la Comédie-Française et interprétée par Mademoiselle Mars, la pièce connut un considérable succès et lança la carrière de Dumas. Elle fut qualifiée de "scandale en prose" en référence à 'Hernani', qualifiée de "scandale en vers" et que la pièce de Dumas avait devancé d une année. "C'est avec cette pièce que Dumas est passé de l'anonymat à la célébrité en quelques heures, le temps de la première représentation, le 11 février 1829 au Théâtre français ( ). Ce drame qui rompt avec les critères du théâtre classique est le premier drame romantique historique ( ). Dumas raconte lui-même dans ses Mémoires l'importance de cette pièce dans sa vie. Quatre chapitres y sont consacrés (pages 117 à 120) dans lesquels le choix du sujet, les difficultés avec la censure, avec les comédiens, les soucis d'argent avec son renvoi de son emploi chez le duc d'Orléans. Par la suite, Dumas reviendra sur la plupart des protagonistes, notamment dans sa trilogie sur les Valois" (Nicole Vougny, "Dumas père" en ligne). Provenance : le duc d'Orléans, bientôt proclamé Louis-Philippe roi des Français (le 9 août 1830) avec son timbre humide « Bibliothèque de S.A.R. Mgr le duc d'Orléans » à son monogramme couronné en tête de la page de faux-titre ; exemplaire relié à son intention par Joseph Thouvenin (signée en pied du dos). Louis Philippe fut intimement mêlé à la production de cette pièce. Monté à Paris, Alexandre Dumas fut embauché, dès 1823, comme secrétaire du duc d Orléans sur la recommandation du général Foy, poste dont il démissionna peu avant la première représentation de cette pièce. "La veille de la première représentation, Dumas demande à être reçu par le duc d Orléans au Palais Royal. Il invite le prince, désormais son ex-employeur, à assister à la première de 'Henri III et sa Cour'. Le duc d Orléans lui répond qu il serait très heureux d y assister, mais il n est pas libre : il donne un dîner pour une vingtaine de princes et de princesses. Dumas ose lui répondre que, peut-être, ces princes et princesses seraient heureux d assister, eux aussi, à ce spectacle ! Pour le duc, c est impossible. On se met à table à six heures et la pièce commence à sept. Pas démonté, Dumas lui propose d avancer son dîner d une heure tandis que lui fera retarder la représentation de la même durée. Le Palais Royal étant voisin de la Comédie Française, tout pourrait s arranger. Louis-Philippe est intéressé, mais il ne dispose que de trois loges : insuffisant pour tous ses hôtes. Dumas a tout prévu : il a réservé une galerie à la disposition du prince. Enchanté, celui-ci lui assure alors qu il viendra avec tous ses invités assister à cette première ( ). Le soir de la première, le théâtre a mis à la disposition de Dumas une avant-scène dans laquelle prennent place Alexandrine, sa s ur aînée, et trois des grands amis de l auteur : Alfred de Vigny, Victor Hugo et le peintre Georges Boulanger. Le duc d Orléans arrive à l heure, s installe avec sa famille et ses amis dans la galerie qui lui est réservée. Dumas n en mène pas large au moment du lever de rideau ( ). À la fin de la pièce, la salle, y compris le duc d Orléans, applaudit debout. Alexandre Dumas a 27 ans. À partir de ce moment-là, il est sacré poète et auteur dramatique" (Virginie Girod, "Au c ur de l'histoire"). (Carteret, 'Romantique', I, p. 224 qui qualifie cet ouvrage de « très rare ». Vicaire, III, col. 337). Mors légèrement frottés. Quelques rousseurs éparses. Bel exemplaire, relié à l époque par Joseph Thouvenin qui obtint le titre de "relieur du duc d Orléans". ((Précieux exemplaire du futur roi Louis Philippe)).

autre. - s.l. s.d. [ca. 2010-2020], 7,6x12,7cm pour chacun des dessins, 2 dessins sur des post-it. - "Baby got back !" Paire de dessins originaux inédits du styliste Thierry Mugler, réalisés sur des Post-its à l'aide d'un stylo-encre, de feutres rouge, bleu, beige et jaune et de correcteur blanc. Nombreuses mentions, en anglais, de la main du créateur autour des dessins représentant de face et de dos une extravagante robe qui n'a, à notre connaissance, jamais été réalisée. Le coin supérieur du premier dessin a été consolidé au verso à l'aide d'un petit adhésif. L'avant de la robe, très moulante sur le haut du corps et les hanches, est « déchiré" au niveau de la poitrine (« double-breasted tuxedo wriped [sic] »). Le modèle, une femme blonde, porte un masque (« loup ? Mask, lace eventually ») qui n'est pas sans rappeler les célèbres lunettes de soleil « Mouche » créées par Mugler pour sa collection « insectes » printemps-été 1997, ou les incroyables masques imaginés pour Lady Gaga. Le second dessin, révélant l'arrière de la robe, réserve au spectateur un véritable trompe-l' il : Mugler propose de peindre dans le dos du modèle (« tattoo or photo hand paint ») un portrait de Kim Kardashian (« Kim face ») agrémenté de cheveux noirs (« black dark hair ») la chute des reins et les hanches évasées du modèle, très dévoilées, figureront la généreuse poitrine de « Kim ». Révéler la naissance des fesses n'est pas nouveau chez Mugler qui avait déjà présenté, pour la collection de prêt-à-porter automne-hiver 1995-96 célébrant les vingt ans de sa maison, une robe laissant voir le postérieur rebondi de son modèle et agrémentée d'un triple rang de perles. Mugler a dessiné cette robe pour sa muse Kim Kardashian : « J'adore les personnalités extrêmes, elles existent et elles correspondent à ce que je souhaite exprimer. [.] J'ai toujours été à la recherche de toutes les beautés. Peu importe les corps que je perfectionne, ils existent aussi sans mon intervention, mais je les surdimensionne, j'ajuste la taille, les épaules, la silhouette entière. Kim Kardashian en est un parfait exemple ; elle est une beauté callipyge, un idéal féminin éternel, presque antique. » (« Conversation entre T. Mugler et Thierry-Maxime Loriot » catalogue de l'exposition Thierry Mugler. Couturissime au Musée des Arts décoratifs de Paris, 2022) En 2002, Thierry Mugler fit le choix de se retirer de l'industrie de la mode pour se consacrer à ses deux passions : la photographie et le spectacle. Ses collaborations avec de grandes personnalités se comptèrent alors sur les doigts d'une main : avec Beyoncé d'abord, pour qui il réalisa l'intégralité des costumes de la tournée « I Am. World Tour » (2009), puis avec Kim Kardashian pour laquelle il créa plusieurs tenues, notamment une combinaison très ajustée et désormais iconique pour le Gala du Met de 2019 ou encore un costume de cow-girl spatiale pour la fête d'Halloween de 2021. Les dessins originaux de Thierry Mugler sont de toute rareté, comme le souligne T.-M. Loriot dans ce même catalogue rétrospectif : « Vos archives sont très prisées, peu prêtées et encore moins exposées. » Rarissime et unique dessin du génial couturier de tous les superlatifs réalisé pour l'une de ses « guerrières super glamours », la sculpturale Kim Kardashian. [ENGLISH TRANSLATION FOLLOWS] "Baby got back !" Two original unpublished drawings by Thierry Mugler for a "Kim Kardashian" dress project [ca 2010-2020] | 7,6 x 12,7 cm for each drawing | 2 post-its Two original unpublished drawings by fashion designer Manfred Thierry Mugler on post-it notes in black ink, red, blue, beige, and yellow felt-tip pens and white correction fluid. Numerous mentions in English by the designer around the drawings depicting the front and back of an extravagant dress (which to our knowledge has never been made). Top corner of the first drawing backed with a small piece of tape. The very body-hugging front of the dress is torn at the chest ("double brea.

Paris, H. Matarasso, (14 avril) 1949. 1 vol. (220 x 280 mm) de 146 p. et [1] f. Maroquin vert tendre, dos lisse tire doré, contreplats et gardes chèvre velours orange, couvertures et dos conservés, chemise et étui bordés (Reliure signée de D. Mitterrand). Édition originale. 4 eaux-fortes, dont 1 en couleur, par Georges Braque. Un des 170 exemplaires sur vélin du Marais, signé par Braque et Char (n° 67). Envoi signé : "À Gaston Gallimard, en pensée amicale cette histoire, cette enfance autour du c?ur et sous les yeux transparents. René Char ". C'est avec Le Soleil des eaux que s'inaugure la particulièrement importante collaboration de René Char et Georges Braque. Il a été publié peu de temps après leur rencontre lors d'une exposition de peintures et de sculptures contemporaines organisée par Christian et Yvonne Zervos au Palais des Papes en Avignon. L'un des rares textes de ce dernier où il se prête à une mise en scène, plus cinématographique que théâtrale cependant, puisque la plupart des situations se déroulent dans des cadres naturels : et pour cause, puisque le projet fut d'abord bel et bien cinématographique. René Char rédigea le scénario d'août à octobre 1946 : il raconte l'histoire d'une communauté de pêcheurs au début du siècle, en Provence, dans le Comtat Venaissin. L'implantation d'une usine au bord de la rivière Crillone qui baigne le petit village de Saint-Laurent déclenche une révolte parmi les pêcheurs de truites et d'anguilles, confrontés à la pollution de leur rivière par les rejets de chlore de cette papeterie. Comment concilier le bonheur agreste et la technique dévastatrice ? Le lieu prévu du tournage était L'Isle-sur-la-Sorgue, où devaient être recrutés bon nombre de figurants. Ce serait, dit-il « un film dont l'ambition est de faire oublier qu'il est un film, c'est-à-dire un peu plus qu'une nourriture pour les yeux : une preuve pour le coeur », qu'il souhaite partager avec Jean Vilar, à qui il avait pensé pour tenir un des rôles et à qui il écrit le 12 décembre : « Il serait urgent que je vous voie [.] J'ai écrit le scénario et les dialogues d'un film qui sera tourné au printemps dans des conditions sérieuses. » Yvonne Zervos, directrice de la galerie des Cahiers d'art, est contactée pour financer le projet ; un contrat est signé avec la société Sifdac de Serge Sandberg en février 1947. Sans expérience de la réalisation, René Char fit appel à quatre metteurs en scène successifs, qu'il se chargerait de « superviser ». Mais face aux conditions difficiles (dont la grande grève de 1947), les financiers se retirèrent et seuls quelques plans furent tournés. Char se tourne alors vers la scène : le spectacle sera créé en 1948 par la Radiodiffusion française sur une musique de Pierre Boulez et dans une réalisation d'Alain Trutat.La rencontre avec Braque, l'année suivante, donne enfin corps au projet d'une édition illustrée. C'est pour ce livre que le peintre inaugure le célèbre motif de l'oiseau ouvert, qu'il a exécuté trois planches en noir et une planche frontispice en couleurs. Les quelques textes de René Char destinés à la scène seront réunis plus tard sous le titre : Trois coups sous les arbres.Provenance : Vente "Surréalisme", Binoche-Renaud-Giquello, Paris, 27 mars 2009, Claude Oterelo exp., n° 66 ; collection privée.

Paris, Maeght, Éditions Pierre à Feu, n° 4, juin 1947. 1 vol. (275 x 370 mm) de 8 p. En feuilles, sous couverture illustrée en couleurs. Important numéro de Derrière le miroir - le premier consacré à Braque.Il est illustré d'une lithographie originale en couleurs de Braque, en couverture, et de 7 reproductions en noir.Envoi signé : « À René Char. Pour le rayon dont il a traversé ma peinture. G. Braque ». Le texte inaugural de Char est une commande de Maeght, en marge de l'exposition organisée rue de Téhéran, du 30 mai au 30 juin 1947 : ce sera la première exposition de Braque chez Aimé Maeght, qui devient alors son marchand. Georges Braque et René Char se rencontreront quelques semaines plus tard, le 5 septembre 1947, à l'occasion du premier festival d'Avignon, alors « Semaine d'Art dramatique en Avignon » et d'une exposition organisée par les Zervos.Rappelons brièvement les faits. Le 12 décembre 1946, Char fait passer à Jean Vilar le mot suivant : « Il serait urgent que je vous voie, mais êtes-vous à Paris ? J'ai écrit le scénario et les dialogues d'un film qui sera tourné au printemps dans des conditions sérieuses. » Le poète a des rêves de cinéma, il a pensé à Jean Vilar pour tenir l'un des rôles du long métrage qu'il se prépare à tourner. Char, 39 ans, n'est pas encore très connu mais son nom grimpe vite dans le ciel de la poésie. Le film ne se fera pas. Cependant, par l'intermédiaire de Char, Vilar rencontre Christian et Yvonne Zervos, collectionneurs d'art, amoureux du Vaucluse, qui préparent alors une exposition de peinture contemporaine dans la grande chapelle du palais des Papes à Avignon ; les Zervos aimeraient y ajouter un spectacle. Vilar leur en propose trois. Avec l'aide du maire d'Avignon, le Dr Pons, l'affaire aboutit. La première « Semaine d'art en Avignon » a lieu du 4 au 10 septembre 1947 avec, au programme, deux concerts, les trois pièces (Richard II de Shakespeare, Tobie et Sara de Paul Claudel, et la Terrasse de midi de Maurice Clavel) et l'exposition des oeuvres de vingt-six artistes et non des moindres : Picasso, Kandinsky, Chagall, Ernst, Matisse, Léger et Braque. Jusqu'à la mort du peintre, leur "conversation souveraine" s'est poursuivie au long d'une amitié qui s'est approfondie, selon la phrase de Braque "chemin faisant". Sur ce chemin, a écrit Georges Blin, "les rôles s'inversent, tout aussi naturellement que dans le serrement de deux mains viriles chacune à son tour comprend l'autre.".

First Edition. Folio, pp. [iv], 27, [3], with 56 plates (numbered to 73), of which eleven are chromolithographed and four are double-page; some light spotting and dust-soiling (generally restricted to plate margins), but a very good copy in recent red morocco-backed marbled boards, spine richly gilt. `First edition. This is a presentation copy, inscribed on the half-title to the author's friend Charles Garnier, architect of the Paris opera house that bears his name: 'A son ami Ch. Garnier. Souvenir affectueux A. Normand'. The two men had known each other since they were both 'pensionnaires' at the Academy of France in Rome in the late 1840s and early 1850s.Normand's work is a detailed record of the principal edifices of the vast architectural theme park constructed for the Exposition Universelle of 1867, 'a spectacle without equal which, in all probability, future generations will never have the opportunity to witness' (translated from Normand's preface). The 1867 exhibition was the first such event to feature actual buildings (temples, palaces, houses, schools) rather than mere models or architectural drawings. Normand devotes most attention to the Egyptian section (designed by Jacques Drevet) and to those of Tunisia and Morocco (both designed by Alfred Chapon).'In 1867 Tunisia's and Morocco's displays in Paris seemed to some observers a deliberate escape from the economic and political upheavals the two countries were experiencing. Agricultural, industrial, and commercial spheres were omitted: instead, there were palaces with exuberant interiors and furniture, royal costumes, and armour simply "everything that glitters, shines, and adorns". Others noted the artistic value of the Tunisian and Moroccan pavilions. Alfred Normand claimed that they "were important not only for their size, but also for their tastefulness, their picturesque effect, and especially the brand new and charming sensation that they arouse in us . . . . [Here was] a particular type of dwelling, where art was not excluded . . . from everyday activities" ' (Zeynep Çelik, Displaying the Orient: architecture of Islam at nineteenth-century World's Fairs, pp. 122 3).Alfred Normand (1822 1909) was an architect and a photographer. His most notable commission was the celebrated Pompeian-style villa (now demolished) built for the prince Jérôme Bonaparte on the Avenue Montaigne in Paris. Language: French.

First Edition. Slim octavo (24cm); pictorial wrappers, saddle-stitched; 31,[1]pp. French gallerist and art dealer Pierre Loeb's copy, with "Exemplaire de Pierre Loeb" in red ink on title page by E.L.T. Mesens, along with his signature, and those of the following individuals associated with the exhibition directly beneath: Shiela Legge, André Breton, Jacqueline B. (Jacqueline Lamba, Breton's wife), Roland Penrose, David Gascoyne, Humphrey Jennings, Hans Arp, and George Reavey. Light external wear and dust-soil, wrappers starting to pull away from staples, with some scattered discoloration to rear wrapper; a few very light pencil marks in-text, else contents quite fresh; Very Good+. Housed in a custom clamshell case. Well-preserved catalog of the first Surrealist art exhibition in England, organized by artist Roland Penrose and poet David Gascoyne, and held at the New Burlington Galleries from June 11th - July 4th, 1936. A ground-breaking event, described alternately as chaotic, indecent, and inspiring, the organizers assembled nearly 400 paintings and sculptures by 71 Surrealist artists, including Hans Arp, Jacqueline B., Hans Bellmer, Constantin Brancusi, Alexander Calder, Salvador Dali, Marcel Duchamp, Alberto Giacometti, René Magritte, Joan Miró, Paul Nash, Pablo Picasso, Man Ray, Yves Tanguy, and others. The three-week event was a true spectacle, involving Dalí delivering a lecture (and nearly passing out) while wearing a full deep-sea diving suit, Sheila Legge's performance as "The Phantom of Sex Appeal" in Trafalgar Square, and poet Dylan Thomas circulating among the guests at the opening, offering them cups of boiled string. In addition to listing all 392 works in the exhibit, the catalog features a cover illustration by Max Ernst, an English-language preface by André Breton (translated by Gascoyne), and an introduction by Herbert Read. A significant copy, signed by several artists and presented to French gallerist Pierre Loeb, one of the great champions of Surrealism. On its own, a somewhat elusive catalog, rarely seen with such a collection of signatures, the auction record showing the last such copies for sale in 1976 (George Hugnet's copy, signed by nine) and 1973 (Suzanne Malherbe and Claude Cahun's copy, signed by 11). [53024].

Ouvrage bien complet de ses 144 planches hors-texte, aquarellées, de Favart, Dutertre, Coeuré, etc. Chaque portrait est accompagné d?une notice biographique de 2 à 3 feuillets. L?illustration se compose également de 84 gravures dans le texte, dont 18 dessinées et gravées exprès pour l?ouvrage ; les 66 autres sont de ravissantes vignettes d?Eisen, Boucher, Halle, Baron, Français, Janet-Lange, etc. Colas, 1165. Ex-libris de Dranem signé Cami. Armand Ménard dit Dranem (1869-1935) est un chanteur et fantaisiste français. Son répertoire de chansons à l'humour incongru et souvent scabreux a fait de lui une des vedettes les plus populaires du café-concert, où il lance le genre du comique niais et malicieux. Il crée au music-hall de nombreuses revues et opérettes, et interprète plusieurs rôles au cinéma. Il est le fondateur de la maison de retraite des artistes du spectacle de Ris-Orangis. Humoriste français, doué pour la caricature, mais plus particulièrement encore pour le théâtre loufoque, Pierre Henri Cami (1884-1958) jouit d'un immense succès populaire dès 1914. Il crée des personnages burlesques fort appréciés jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. Il est l'auteur de « la semaine Camique » dans L'Illustration et le fondateur de l'Académie de l'Humour. En 1953, il est le lauréat du Grand Prix d'Humour International. Charlie Chaplin le qualifie de « plus grand humoriste in the world » et Jacques Prévert propose le terme de « camisard » pour désigner ses admirateurs. Ce portrait de Dranem, caricaturé par Cami, a été utilisé en couverture de plusieurs titres composés par Gabaroche dans les années 1915-1920 (édités par Gaston Gabaroche ou par Roger Myra). Chers clients Abebooks, le poids et le volume important de cet ouvrage entraîneront des frais postaux additionnels, merci de le prendre en considération avant votre achat. Dear Abebooks customers, the weight and volume of this book will entail additionnal shipping fees, thank you for taking it into consideration before ordering. Clients Livre Rare Book : Les frais postaux indiqués sont ceux pour la France métropolitaine et la Corse, pour les autres destinations, merci de contacter la librairie pour connaître le montant des frais d'expédition, merci de votre compréhension. Livre Rare Book Customers : The shipping fees indicated are only for France, if you want international shipping please contact us before placing your order, thank you for your understanding. Reliures signées Pouillet, en demi-maroquin rouge à coins, dos à 5 nerfs ornés de riches caissons dorés, doubles filets dorés sur les plats, têtes dorées. 2 ff., frontispice, VII, III, 141 ff. non chiffrés, 73 pl. h.-t.; 2 ff., III, 136 ff. non chiffrés, 71 pl. h.-t. Rares rousseurs sur certaines notices, sans conséquence, quelques petites traces de frottements, notamment sur les mors, coins très légèrement émoussés, une pâle petite mouillure marginale sur les 4 derniers feuillets et les pages de garde in fine du second volume, sinon très bel exemplaire à l?intéressante provenance.

xi, (7)pp., 9 original copperplate etchings, each numbered in pencil, printed on titled folded sheets. All contents loose, as issued. 4to. Publisher s portfolio (marbled boards with supralibros label, ties; light wear) and chemise. New fitted cloth clamshell case. One of 120 copies of the "état définitif," signed and numbered in ink by Laboureur in the justification, apart from proofs of various states, the etchings printed by A. Vernant, the text by Franzier-Soye. Presentation copy, inscribed "à André Mare au bon/ témoignage de guerre/ Laboureur," with a little sketch of two crossed flags.

75 x 100 cm. Digital Photographie. Large format digital photograph. Original Pigment Druck. Archival pigment print on paper (Harman Fine Art Matt Cotton Textured). Sehr gut erhalten, gerahmt. Mint condition, framed. Verso signiert, Signed verso. Auflage 1, + 1 Künstlerexemplar. Edition of 1 plus 1 artist's proof. In ihrer neuen Serie "Erasure" arbeitet die Genfer Künstlerin Mauren Brodbeck mit experimentellen Fotografien (via Pigment Druck), sie spielt bewußt mit Mustern und bricht mit althergebrachten Kategorien. Die Ästhetik der Bilder ist verstörend und zugleich glamourös. Sie hinterfragt Normen der sozialen Wahrnehmung des Individuums. In der Serie "Erasure" erforscht sie die Entstehung einer Identität, wie sie gebrochen wird, de- und rekonstruiert wird, als Ausdruck der inneren Taktung, ein Schrei nach Leben und Authentizität. "Ich entdecke menschliche Emotionen, das menschliche Sein, die Möglichkeiten des Individuums, seine Träume und Freiheiten. Entering the present in "presence", recognising and letting one's emotions flow, freeing oneself from convention, traversing urban mythologies with the ephemeral, the spectacle: this is the whole intention of these "modules" comprising at once performance, video, music and installation. Embodied in the "letting go" of improvisation, these Urban Tales call upon the plasticity of bodies, on their interactions, and explore the "sensitive" surfaces that allow us to be in relationship with the world. These are "purifying" rituals, concrete experiments that invite us to exercise the gaze of others, their judgement, the power plays linked to our physical appearance. Arbeiten von Mauren Brodbeck sind in internationalen Privat- und institutionellen Sammlungen vertreten, u.a. der Auer Fondation, Geneva Contemporary Art Fund, The Elysée Museum Lausanne, der Vaudoise Insurance etc Mauren Brodbeck, born 1974 in Geneva. Lives and works in Geneva Trained in painting and drawing at the Collège de Saussure in Geneva, with a diploma in film production at Vancouver Film School in Canada, in photography and imaging from the Center College of Design in Pasadena, followed by postgraduate study in interactive arts and new media at the Geneva Haute Ecole d'Arts et de Design (HEAD). Among her major exhibitions are: Photo Miami, Paris Photo, Art Cologne, Andata Ritorno Laboratory for Contemporary Art and Auer Photo Foundation (Geneva). Mauren Brodbeck is a total artist, multisensory, multimedia explorer, crossing lines and transgressing categories by working with photography, performance, installation and music. Mauren Brodbeck's work is held in a variety of private and public collections, including Geneva Contemporary Art Fund, The Elysée Museum in Lausanne, Vaudoise Insurance, and Auer Photo Foundation. Mauren Brodbeck, wurde 1974 in Genf geboren, wo sie auch lebt und arbeitet. Sie hat am Collège de Saussure in Genf ein Diplom in Film Production absolviert. Es folgte ein Post Graduate Studium in Interactive Art und Neuen Medien an der Genfer Kunst & Design Hochschule. (HEAD). Brodbeck arbeitet als Multimedia Künstlerin mit Video Installationen, Fotografie, Performances sowie als Musikproduzentin Mauren Brodbeck. All Rights Reserved, Courtesy of the artist. International orders: Please mention, the indicated shipping rates are not weight based and could be higher. We will contact you. Thank you. * 200 Jahre J.J. Heckenhauer *.

Pas de couverture. Etat : Bon. Edition originale. [DELACROIX] SAND, George (1804-1876) Lettre autographe signée « G.S. » à Eugène Delacroix
[Paris] Cachet postal [23 décembre 1841], 1 p. 1/2 in-8°, à son en-tête, gaufré « G.S »
Adresse autographe sur la quatrième page (cachet de cire) : « Monsieur Delacroix rue des Marais S[ain]t Germain, 17 » Riche lettre de Sand à son ami Delacroix sur ses envies d écrire « quelques pages sur la peinture », les Femmes d Alger, son mépris pour l école ingresque et autres actualités artistiques « Vous avez bien fait, cher ami, de ne pas venir à l Opéra. C était ennuyeux à crever malgré la beauté et la pompe du spectacle. J espère que vos truffes vous auront donné de meilleures inspirations musicales que la reine de Chypre n en a donné à Mr Halevy.(1)
Venez ce soir comme vous me l avez promis. J ai à vous parler sur des matières artistiques !!! [le mot est entouré par Sand d un triple trait de plume]. Sans plaisanterie, j écris quelques pages sur la peinture, et j ai besoin de vous pour savoir si je ne déraisonne pas. (2) 
Bonjour et bonne nuit. Il est 6h du matin. Vous devriez venir dîner avec nous. Nous avons embelli notre existence d un pot-au-feu quotidien et avec le dîner de l anglais(3) et du bon café c est supportable.
G.S.
La Lélia(4) avec son moine et son mort, me frappe et me plaît de plus en plus, c est ce qui m a mise en veine d écrire sur la couleur et ce qu il faut entendre par la forme. Avec ça j ai vu vos femmes d Alger(5) ce matin. Si vous m encouragez, je suis capable de faire le prochain salon dans notre revue [La Revue indépendante], et vous savez que je ne caponnerai pas [ne se montrera pas lâche] avec tout cette école silhouettiste(6) qui se dit en possession du dessin ». [1] La Reine de Chypre, opéra en cinq actes de Halévy sur un livret de Saint-Georges, a eu lieu la veille, le 22 décembre 1841. À l inverse de George Sand, Richard Wagner, qui fut également présent à la première, jugea la musique « noble, émue et même nouvelle et exaltante », même s il critique les défaillances d Halévy qui aboutirent à une orchestration simple.
[2] Dans Horace, que George Sand est alors en train d écrire, elle met en scène un rapin, élève de Delacroix, mais on n y trouve pas les « quelques pages sur la peinture ». S agit-il  d un article destiné à la Revue indépendante qu elle vient de créer mais auquel elle aurait renoncé ? Le mot écrit en post-scriptum confirme bien qu il s agit d une réflexion esthétique qui porte sur la « couleur » et la « forme ».
[3] Allusion possible à un restaurateur ou à un traiteur anglais fréquenté par George Sand.
[4] Lélia avec son moine et son mort est la troisième uvre offerte par Delacroix à George Sand pour les étrennes de 1842. Il s agit d un pastel représentant Lélia agenouillée près du cadavre de Sténio, pendant que le moine Magnus, « dans l ombre, adossé avec raideur au mur de la grotte, dardait sur elle ses yeux étincelants ». Le sujet a été traité plusieurs fois par Delacroix.
[5] Il s agit des Femmes d Alger dans leur appartement, tableau présenté au Salon de 1834, où il fait sensation. Synthèse d orientalisme et de romantisme, ce tableau exprime une profonde « mélancolie » pour le poète et critique d art Baudelaire.
[6] George Sand désigne l école d Ingres en parlant « d école silhouettiste ». On connaît l adversité entre les deux peintres qui anima la scène artistique du XIXe siècle. L écrivaine avait résolument pris le parti de Delacroix, celui de la « forme » et de la « couleur ». Bibliographie :
George Sand Correspondance, t. V, Lubin, Garnier, p. 529-531, lettre n°2369
Correspondance, éd. Françoise Alexandre, Les éditions de l Amateur, p. 117-118, n°50 Provenance :
Achille Piron (légataire universel de Delacroix)
Bibliothèque Marc Loliée. Signé par l'auteur.

Pas de couverture. - S.n., s.l. (circa 1776), Cadre : 32x40,5cm ; dessin : 26x28,5cm, une feuille encadrée. - Dessin original à l'encre et à l'aquarelle représentant une vue animée de bord de mer avec un village perché sur une falaise. Encadrement moderne de baguettes blondes. Dessin réalisé pendant le voyage fait avec le Marquis de Sade au cours de l'année 1776. Jean-Baptiste Tierce (1737-1794), élève à l'école des Beaux-arts de Rouen puis à l'Académie de Peinture et de Sculpture de Paris, se fit rapidement remarquer comme paysagiste pour ses vues du Sud de la France et de l'Italie. Ses tableaux sont conservés aux Offices de Florence et dans plusieurs musées français. Lorsqu'en décembre 1775 Sade quitte Rome pour Naples, il est accueilli par le gendre de son ami le Docteur Mesny, Jean-Baptiste Tierce, qui à cette époque reçoit les commandes du Cardinal de Bernis. Il trouve un logement au Marquis « [qui] entend tout voir [de la région], s'instruire de tout, juger, admirer, critiquer, aimer, haïr, bref se livrer sans frein à cette curiosité insatiable et passionnée qui le conduit aussi bien dans les musées, les galeries, les églises, les palais et les bibliothèques, que dans les grottes, les caveaux, les catacombes, et jusque dans les entrailles des volcans. Il ne se contente pas de contempler les uvres d'art, les monuments antiques ou modernes, il observe aussi les m urs, la politique, la religion, l'administration, la vie sociale. La beauté des femmes, les usages du monde, la qualité des spectacles, les manières de manger, de boire, de s'habiller, de prier, de se conduire dans le monde : rien ne le laisse indifférent. Il voudrait saisir tout le présent et tout le passé de cette civilisation, l'embrasser toute entière dans une vision unique et universelle. Programme gigantesque, à la mesure de son imagination exceptionnelle, mais qu'il n'a plus remplir, qu'il lui était impossible de remplir. Pourtant, telle est sa première ambition d'écrivain : grandiose, démesurée. En vue de ce « grand uvre », Sade prend des notes à la hâte, au bord des chemins ou dans les auberges, qu'il complète avec les fiches de ses correspondants Mesny et Iberti. Ainsi s'édifie ce monument qu'il destine au public, mais qui ne verra le jour qu'au XXème siècle. Jean-Baptiste Tierce y collabore étroitement : il relit les notes et consigne ses observations sur de petits cahiers, avec des numéros renvoyant aux uvres décrites. Sade en tient le plus grand compte. Souvent, le peintre l'accompagne dans ses randonnées, son carnet de croquis à la main, dessinant les édifices et les paysages qu'ils ont sous les yeux. Une centaine de ces dessins et gouaches ont été récemment retrouvés dans les archives de la famille de Sade. Ils confèrent au Voyage en Italie l'allure d'un véritable reportage. » (Maurice Levert, Sade, pp. 283-284). Provenance : archives de la famille de Sade. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND].

Couverture rigide. - s.d. (ca 2012), 15,5x21,5cm, relié. - | Supermanfred, man of style | Carnet personnel de Thierry Mugler contenant des dessins originaux et aphorismes autographes inédits. Reliure à la bradel en pleine toile noire. Sur le premier plat, Thierry Mugler a peint une étoile blanche au correcteur. Quinze pages du cahier ont été remplies par le styliste : La première au feutre bleu fluo présente le mot « Yes » ainsi qu'un grand point d'exclamation se terminant par la mythique étoile muglerienne. Sur une double page, le mot « blanc » rehaussé au correcteur et en majuscules sur fond de feutre noir, au feutre orange les mots « Indehain » ( ?) et « tribe » avec un dessin de soleil, plusieurs notes au stylo bille noir : « Aelino Rock-Elektro », « DJ », « Syath Choreographie ». Une double page présentant un très beau dessin de femme noire nue, plantureuse et à l'opulente chevelure rose, à gauche au stylo bille noir les mots « Super nova mama » ainsi qu'une étoile rehaussée au feutre violet. Une double page présentant trois lignes aux feutres vert, rouge et violet : « - La Perle de l'Afrique. / rien qui bouge ! ! ! / Le chic des mains de Paris ! » Le dernier point d'exclamation se termine par une étoile. Plusieurs dessins d'étoiles et esquisses de bouteilles de parfum au crayon de papier. Une liste de noms au crayon de papier, en face de certains la lettre « G » au feutre bleu, la mention « Kab » au feutre rouge et un tortillon au feutre orange. Une double page présentant en pied une planète sur laquelle est dessiné un phallus ; au-dessus, plusieurs lignes aux feutres bleu, violet, orange, vert et rouge constituant le texte suivant : « Alice se perdit dans Brocéliande et se fit courser par le centaure Manfred.et ses dangereux attributs.Pauvre petite fille riche.Ce n'est pas le luxe qui va la sauver. Ombre d'arbres sous la lune « EN TRAVERS » CQFD. Testostérone et innocence.la Belle et la Bête ! ! ! Rugissement furieux de métal.Perforation du Tympan et l'Hymen.L'HISTOIRE DU MONDE ! » Une double page au crayon de papier sur laquelle il a réalisé en marge gauche un croquis de pole danseuse la tête à l'envers ; autour le texte suivant : « Strip Tease intello : laide, pas laide. Qui suis je ? Oui ! Je suis belle. Non ! Je suis laide. Regardez moi ! Non ne me regardez pas ! Voyez moi ! Aimez moi ! BAISE MOI ! ! ! VAS T'EN ! Reviens. Folle. Pas folle. Grand Corps Malade ? Fabien » [Grand Corps Malade, de son vrai prénom Fabien, composa une chanson pour le spectacle de music-hall Mugler Follies]. Une note au crayon : « Acte Vente Chelsea AT 92 ». Thierry Mugler vendit son penthouse dans le quartier de Chelsea à New York en 2012. Les archives personnelles de Thierry Mugler sont d'une insigne rareté. [ENGLISH TRANSLATION FOLLOWS] Personal notebook of Manfred Thierry Mugler containing original autograph drawings and aphorisms. n.d. (ca 2012), 15,5x21,5cm, black cloth binding. Black cloth binding. A white star made by Mugler in corrector fluid on the first cover. Fifteen pages of the notebook filled in by the fashion designer: - The first page, in neon blue felt-tip pen, with the word "Yes" as and large exclamation mark ending with the iconic Mugler star. - A double page with the word "white" enhanced with corrector fluid and in capital letters on a black felt-tip background, in orange the words "Indehain" (?) and "TRIBE" with a drawing depicting a sun, several notes in black ballpoint pen: "Aelino Rock-Elektro", "DJ", "Syath Choreographie". - A double page with a wonderful drawing of a naked Black woman with voluminous pink hair, and on the left with a black ballpoint pen the words "Super NOVA MAMA" with star enhanced with purple marker. - A double page with three lines in green, red, and purple markers: "- La Perle de l'Afrique. / RIEN QUI BOUGE !!! / Le chic des mains de Paris !" [- The Pearl of Africa. / NOTHING THAT MOVES!!! / The chic of the hands of Paris!] The last exclamation po.

autre. - s.l. (Paris) 19 décembre 2013, Cadre : 116,5x86,5 cm / Sujet : 89,5x60,5cm, une photographie encadrée. - Monumentale photographie représentant Thierry Mugler entouré des artistes de son spectacle de cabaret intitulé "Mugler Follies". Le cliché est conservé sous un cadre metallique argenté et sous une marie-louise sur laquelle tous les amis présents sur la photographies ont aposé un message d'anniversaire et signé à l'aide de feutres multicolores. On reconnaît plusieurs personnalités telles que la chanteuse Marie-France (interprète de Marlène Dietrich et Marilyn Monroe) ou la drag queen Lola Dragoness Von Flame. Le cliché est signé et daté au dos par la photographe, Sylvie Germond. Le verre est un peu fendu au coin inférieur gauche. On joint : un dossier d'infographies ayant servi à concevoir les décors et les costumes. Immense et unique photographie, témoignage de l'excentricité des costumes conçus par Mugler et de l'attachement des artistes ayant collaboré avec lui. [ENGLISH TRANSLATION FOLLOWS] Monumental photograph of Thierry Mugler surrounded by the performers of his cabaret show "Mugler Follies" [Paris] 19 décembre 2013 | frame: 116,5 x 86,5 cm; photograph: 89,5 x 60,5 cm | one mounted and framed photograph Very large-format photograph of Thierry Mugler surrounded by the performers of his cabaret show "Mugler Follies" in a silver metal frame and under a mat bearing colorful birthday wishes and signed inscriptions in felt-tip pens. Several celebrities are pictured including singer Marie-France (interpreter of Marlene Dietrich and Marilyn Monroe) and drag queen Lola Dragoness Von Flame. Signed and dated by the photographer Sylvie Germond on the back. A small crack in the glass to the bottom left corner. Enclosed: a folder of computer graphics used to design the Mugler Follies sets and costumes. A monumental and unique photograph, bearing witness to the eccentricity of the costumes designed by Mugler and the attachment of the artists who worked with him.

Pas de couverture. - S.n., s.l. (Circa 1776), Cadre : 40x50cm ; dessin : 18x24cm, une feuille encadrée. - Dessin original au crayon représentant une vue animée de bord de mer. Encadrement moderne de baguettes noires. Dessin réalisé pendant le voyage fait avec le marquis de Sade au cours de l'année 1776. Jean-Baptiste Tierce (1737-1794), élève à l'école des Beaux-arts de Rouen puis à l'Académie de Peinture et de Sculpture de Paris, se fit rapidement remarquer comme paysagiste pour ses vues du Sud de la France et de l'Italie. Ses tableaux sont conservés aux Offices de Florence et dans plusieurs musées français. Lorsqu'en décembre 1775 Sade quitte Rome pour Naples, il est accueilli par le gendre de son ami le Docteur Mesny, Jean-Baptiste Tierce, qui à cette époque reçoit les commandes du Cardinal de Bernis. Il trouve un logement au Marquis « [qui] entend tout voir [de la région], s'instruire de tout, juger, admirer, critiquer, aimer, haïr, bref se livrer sans frein à cette curiosité insatiable et passionnée qui le conduit aussi bien dans les musées, les galeries, les églises, les palais et les bibliothèques, que dans les grottes, les caveaux, les catacombes, et jusque dans les entrailles des volcans. Il ne se contente pas de contempler les uvres d'art, les monuments antiques ou modernes, il observe aussi les m urs, la politique, la religion, l'administration, la vie sociale. La beauté des femmes, les usages du monde, la qualité des spectacles, les manières de manger, de boire, de s'habiller, de prier, de se conduire dans le monde : rien ne le laisse indifférent. Il voudrait saisir tout le présent et tout le passé de cette civilisation, l'embrasser toute entière dans une vision unique et universelle. Programme gigantesque, à la mesure de son imagination exceptionnelle, mais qu'il n'a plus remplir, qu'il lui était impossible de remplir. Pourtant, telle est sa première ambition d'écrivain : grandiose, démesurée. En vue de ce « grand uvre », Sade prend des notes à la hâte, au bord des chemins ou dans les auberges, qu'il complète avec les fiches de ses correspondants Mesny et Iberti. Ainsi s'édifie ce monument qu'il destine au public, mais qui ne verra le jour qu'au XXème siècle. Jean-Baptiste Tierce y collabore étroitement : il relit les notes et consigne ses observations sur de petits cahiers, avec des numéros renvoyant aux uvres décrites. Sade en tient le plus grand compte. Souvent, le peintre l'accompagne dans ses randonnées, son carnet de croquis à la main, dessinant les édifices et les paysages qu'ils ont sous les yeux. Une centaine de ces dessins et gouaches ont été récemment retrouvés dans les archives de la famille de Sade. Ils confèrent au Voyage en Italie l'allure d'un véritable reportage. » (Maurice Levert, Sade, pp. 283-284). Provenance : archives de la famille de Sade. [ENGLISH TRANSLATION FOLLOWS] Italian scene: animated seaside with square tower Original pencil drawing showing an animated seaside scene. Modern black wooden frame. A drawing done during the journey the artist undertook with Sade in 1776. Jean-Baptiste Tierce (1737-1794), who studied at the School of Fine Arts in Rouen and subsequently at the Academy of Painting and Sculpture in Paris, quickly built a reputation as a landscapist for his views of the South of France and Italy. His paintings are in the Uffizi in Florence and several French museums. When, in December 1775, Sade left Rome for Naples, he was welcomed by the son-in-law of his friend Dr. Mesny, Jean-Baptiste Tierce, who at the time was working on commissions for Cardinal de Bernis. He found lodgings for the Marquis who "intends to see everything [of the region], learn everything, judge, admire, critique, love, hate, in short give himself over to the insatiable and passionate curiosity that takes him to museums, galleries, churches, palaces and libraries as well as grottoes, caves, catacombs, and right down to the very innards of volcanoes. He was not content merely to look at the various works of art.

couverture souple. - s.d. [ca 1991], 21x29,7cm, 10 feuillets. - Manuscrit autographe signé du chorégraphe Maurice Béjart. 10 feuillets rédigés au stylo bleu. Foliotation autographe. Épreuves manuscrites de Maurice Béjart pour son ouvrage Béjart-theâtre?: A-6-Roc (Éditions Plume, 1992), à propos de sa pièce A-6-Roc créée la même année au théâtre de Vidy à Lausanne. Après la fondation du «?Béjart Ballet Lausanne?» et son départ définitif de Belgique en 1987, Maurice Béjart poursuit sa mise en scène d'opéras, entreprend la réalisation de films et publie plusieurs livres (roman, souvenirs, journal intime.). Par ailleurs, il écrit et met en scène sa troisième pièce de théâtre A-6-Roc jouée à Lausanne en 1992, qu'il publie avec des commentaires dans un ouvrage intitulé Béjart-theâtre?: A-6-Roc. La pièce met en scène sept personnages en quête d'un paradis perdu, et engage une profonde réflexion sur la mémoire et l'enfance du chorégraphe. Béjart tient le rôle principal et donne la réplique à Gil Roman, son danseur fétiche de la période lausannoise, qui lui succédera à la tête de sa troupe en 2007. A-6-Roc fut probablement la pièce préférée de Béjart et sera la seule qu'il acceptera de publier. Largement inspirée du théâtre de Jean Anouilh et plus encore de celui d'Eugène Ionesco, elle emprunte également à son enfance dans le Sud de la France. Ce manuscrit, qui livre de précieuses indications de mise en scène et de décor, fut publié avec le texte original de la pièce en 1992. Le présent, le passé et le futur se rencontrent dans la pièce à travers trois personnages - une figure de patriarche que Béjart interprète lui-même, une autre incarnant la jeunesse joué par Gil Roman («?6 doit avoir au moins le double d'âge de Mr A. Cette différence de génération crée leur tension et aussi leur complicité?») et un clown, appelé Roc, interprété par l'acteur Philippe Olza. On y décèle sans peine l'influence du théâtre de l'absurde tant dans les choix scéniques que la psychologie des personnages?: «?cette première séquence de la pièce, qui peut durer de 3 à 6 ou 7 minutes, n'est qu'un mouvement mécanique de corps [.] évoquant l'activité inutile et vaine des univers concentrationnaires?». Le dramaturge Béjart n'en restera pas moins fidèle à l'idée «?spectacle total?» qui fit sa célébrité en tant que chorégraphe. La danse et le mouvement inondent la pièce - notamment dans le ch ur théâtral («?quatre personnages devrais-je dire, car rien ne me déplaît plus que l'uniformité des pseudo-ch urs grecs et autres corps de ballet esthétisants?») et Béjart consacre les quatre derniers feuillets à la musique («?elle joue tout au long de la pièce comme les dauphins qui suivent un bateau?») allant de Nino Rota à la musique sirupeuse de Jackie Gleason. Au-delà du théâtre, Béjart désire créer avec A-6-Roc une uvre d'art complète incluant tous les autres genres du spectacle, et démontre dans ce manuscrit son talent de de dramaturge et de metteur en scène. Précieux manuscrit sur la dernière pièce de théâtre écrite, mise en scène et interprétée par Béjart. Il figure parmi les très rares documents du chorégraphe en mains privées, ses archives étant partagées entre sa maison bruxelloise, la fondation Béjart de Lausanne et le Théâtre Royal de la Monnaie. Provenance?: archives personnelles de Maurice Béjart. [ENGLISH TRANSLATION FOLLOWS] Manuscript explaining his play A-6-ROC first performed in Lausanne N. d. [ca. 1991], 21 x 29,7 cm, 10 leaves Handwritten manuscript signed by the choreographer Maurice Béjart. 10 leaves written in blue pen. Handwritten pagination. Maurice Béjart's handwritten proofs for his book Béjart-theâtre: A-6-Roc (éditions Plume, 1992), about his play A-6-Roc, first performed in the same year at the Vidy theatre in Lausanne. After the foundation of "Béjart Ballet Lausanne" and his definitive departure from Belgium in 1987, Béjart continues to stage operas, produce films and publish several books (novel, memories, personal diary.). In addition, he wrote.

Montrouge, Draeger, s.d. [1935]. In-4, [19] ff., en feuilles, emboîtage de papier et de toile signé Julie Nadot (petites déchirures des marges des perforations). Maquette de l'ouvrage de Cendrars et de Cassandre comportant quelques corrections à la mine de plomb. Ce célèbre recueil est composé de la reproduction de 15 affiches (sur 16, dont quatre en couleurs) de l'artiste Cassandre. Le texte de Blaise Cendrars a été imprimé en noir, rouge et vert dont la typographie est l'oeuvre de l'artiste. Il comprend les plus célèbres de ses affiches telles "Au bûcheron" (primée à l'Exposition internationale des arts décoratifs), l'affiche en trois partie de Dubonnet, celle du Normandie ou de l'Étoile du Nord (grand prix de l'affiche de 1927). C'est la seconde collaboration entre les deux hommes, la première étant la réalisation de la couverture du Panorama de la pègre en 1935, la même année que le présent projet. Une des plus belles publications publicitaires jamais réalisées. Voir photographie(s) / See picture(s).

Paris, H. Matarasso, (14 avril) 1949. 1 vol. (283 x 225 mm) de 146 p. En feuilles., sous chemise et étui éditeur. Édition originale. Quatre eaux-fortes, dont une en couleur pour la couverture, par Georges Braque.Tirage à 200 exemplaires numérotés : un des 170 sur vélin pur fil du Marais (n° 137), signé par Georges Braque et René Char. Envoi signé : "A José Corti. Ces eaux qui lui sont familières. Bien amicalement. R. Char ".Il est joint le bulletin de souscription. C'est avec Le Soleil des eaux que s'inaugure la particulièrement importante collaboration de René Char et Georges Braque. Il a été publié peu de temps après leur rencontre lors d'une exposition de peintures et de sculptures contemporaines organisée par Christian et Yvonne Zervos au Palais des Papes en Avignon. L'un des rares textes de ce dernier où il se prête à une mise en scène, plus cinématographique que théâtrale cependant, puisque la plupart des situations se déroulent dans des cadres naturels : et pour cause, puisque le projet fut d'abord bel et bien cinématographique. René Char rédigea le scénario d'août à octobre 1946 : il raconte l'histoire d'une communauté de pêcheurs au début du siècle, en Provence, dans le Comtat Venaissin. L'implantation d'une usine au bord de la rivière Crillone qui baigne le petit village de Saint-Laurent déclenche une révolte parmi les pêcheurs de truites et d'anguilles, confrontés à la pollution de leur rivière par les rejets de chlore de cette papeterie. Comment concilier le bonheur agreste et la technique dévastatrice ? Le lieu prévu du tournage était L'Isle-sur-la-Sorgue, où devaient être recrutés bon nombre de figurants. Ce serait, dit-il « un film dont l'ambition est de faire oublier qu'il est un film, c'est-à-dire un peu plus qu'une nourriture pour les yeux : une preuve pour le coeur », qu'il souhaite partager avec Jean Vilar, à qui il avait pensé pour tenir un des rôles et à qui il écrit le 12 décembre : « Il serait urgent que je vous voie [.] J'ai écrit le scénario et les dialogues d'un film qui sera tourné au printemps dans des conditions sérieuses. » Yvonne Zervos, directrice de la galerie des Cahiers d'art, est contactée pour financer le projet ; un contrat est signé avec la société Sifdac de Serge Sandberg en février 1947. Sans expérience de la réalisation, René Char fit appel à quatre metteurs en scène successifs, qu'il se chargerait de « superviser ». Mais face aux conditions difficiles (dont la grande grève de 1947), les financiers se retirèrent et seuls quelques plans furent tournés. Char se tourne alors vers la scène : le spectacle sera créé en 1948 par la Radiodiffusion française sur une musique de Pierre Boulez et dans une réalisation d'Alain Trutat.La rencontre avec Braque, l'année suivante, donne enfin corps au projet d'une édition illustrée. C'est pour ce livre que le peintre inaugure le célèbre motif de l'oiseau ouvert, qu'il a exécuté trois planches en noir et une planche frontispice en couleurs. Les quelques textes de René Char destinés à la scène seront réunis plus tard sous le titre : Trois coups sous les arbres.P. A. Benoit, Bibliographie des oeuvres de René Char, 33.

Edition De Luxe With an Exceptional Original Pencil Sketch by Kate Greenaway [GREENAWAY, Kate]. SPIELMANN, M.H., and G.S. LAYARD. Kate Greenaway. London: Adam and Charles Black, 1905. Edition de Luxe. Limited to 500 numbered copies (this copy being No. 181), signed by the artist's brother, John Greenaway. Large quarto (10 1/2 x 8 1/8 inches; 267 x 206 mm.). xix, [1], 300, [1], [3, blank] pp. Color frontispiece and fifty-three color plates after Kate Greenaway, with descriptive tissue guards, and numerous black and white illustrations, including thirty-four half-tone plates. Publisher's white cloth over beveled boards, front cover and spine lettered in gilt and decoratively stamped in blind in a geometric and floral design. Top edge gilt. Color pictorial endpapers. A near fine copy. All 500 copies of the Edition de Luxe have original Kate Greenaway artwork bound in. Copy No. 1 has five watercolor sketches, copy No. 2 has four, copy No. 3 has three, copy No. 4 has two, and copy Nos. 5-10 each have one watercolor sketch. Beginning with copy No. 11, each copy has an original pencil sketch. This example has an exceptional original pencil sketch by Kate Greenaway depicting a young girl, standing facing left, wearing a long dress with an empire waist, big puffy sleeves, and a wide sash with a bow at the back. At upper right, are detailed sketches of her arms, wearing long fingerless gloves, resting on a surface. "Containing upwards of 80 full page illustrations, 53 of which are reproduced in facsimile from original water-colour drawings by Kate Greenaway. There are also numerous thumb nail sketches with pen and pencil throughout the text, many of them from letters to Ruskin. Few of the illustrations have ever been published before. The Edition de Luxe is limited to 500 copies.each copy being signed by Mr. John Greenaway and numbered. It contains the earliest impressions of the illustrations, and the letterpress is printed on hand-made paper. Bound in white vellum cloth, gilt top.Each of these copies contains an original pencil sketch by Kate Greenaway.Fifteen Extra Copies. Each of these copies contains at least one original water-color sketch by Kate Greenaway" (Publisher's Prospectus). Kate Greenaway (1846-1901). The English illustrator Kate Greenaway dramatically changed the art of the picture book. For many modern critics, her work represents the essence of a Victorian childhood. For over a hundred and forty years, Kate Greenaway's works have been honored as representing the essence of illustrations for children. Her relatively simple line drawings and colored pictures of young boys and girls at play influenced generations of writers and illustrators for children. Her romantic conception of childhood was based in part on her own experiences. She was born in Hoxton, a community in what is now Greater London, England. "I had such a very happy time when I was a child," Greenaway is reported as saying in M. H. Spielmann and G. S. Lanyard's 1905 biography Kate Greenaway, "and, curiously, was so very much happier then than my brother and sister, with exactly the same surroundings. I suppose my imaginary life made me one long continuous joy-filled everything with a strange wonder and beauty. Living in that childish wonder is a most beautiful feeling - I can so well remember it. There was always something more-behind and beyond everything-to me. The golden spectacles were very very big." Schuster & Engen 226. Thomson 400.

First edition, an exceptional presentation copy to the proprietor of the famed Montmartre cabaret Le Chat Noir, inscribed on the half-title "À Monsieur Rod[olphe]. Salis, Hommage de l'auteur Ch. Gounod". The book is a study of Mozart's Don Juan that reveals its particular importance to Gounod, and its continuing influence on his life and work: "The score. has had an influence on my whole life akin to a revelation; it was, and has remained for me a kind of embodiment of dramatic and musical faultlessness; I consider it a work without a flaw, of uninterrupted perfection" [the cataloguer's translation]. The connection between Gounod and a famous Parisian cabaretier may seem a surprising one at first, but the composer had a very close relationship with Le Chat Noir, contributing critical work to the establishment's weekly magazine; Ravel, Satie, Massenet, and Fauré were also keen supporters of the cabaret. Also significantly, themes from Gounod's Faust were used by Albert Tinchant when he arranged the score for La Tentation de Saint Antoine, a shadow play - "féerie à grand spectacle en 2 actes et 40 tableaux" - based on Flaubert's book and designed by painter-designer Henri Rivière, who developed these "ombres chinoises" for which Le Chat Noir became famous. Gounod's "Ronde du veau d'or" accompanies part three of the tableau L'Avarice, entitled "La Bourse", and music from the final scene of Faust is employed for the "Apothéose". A superb copy with an association highly evocative of the fertile cross-cultural collaborations of the Banquet Years. Nicolai,"La Tentation de Saint-Antoine au Chat Noir : un exemple de collaboration multidisciplinaire", in Flaubert, revue critique et génétique, 21, 2019. Octavo. Unopened in the original cream printed stiff paper wrappers. Wrappers just a little rubbed, very occasional spotting to the text, an excellent copy.

Pas de couverture. - S.n., s.l. (Circa 1776), Cadre : 32x40,5cm ; dessin : 26x28,5cm, une feuille encadrée. - Dessin original à l'encre et à l'aquarelle. Encadrement moderne. Dessin réalisé pendant le voyage fait avec le marquis de Sade au cours de l'année 1776. Jean-Baptiste Tierce (1737-1794), élève à l'école des Beaux-arts de Rouen puis à l'Académie de Peinture et de Sculpture de Paris, se fit rapidement remarquer comme paysagiste pour ses vues du Sud de la France et de l'Italie. Ses tableaux sont conservés aux Offices de Florence et dans plusieurs musées français. Lorsqu'en décembre 1775 Sade quitte Rome pour Naples, il est accueilli par le gendre de son ami le Docteur Mesny, Jean-Baptiste Tierce, qui à cette époque reçoit les commandes du Cardinal de Bernis. Il trouve un logement au Marquis « [qui] entend tout voir [de la région], s'instruire de tout, juger, admirer, critiquer, aimer, haïr, bref se livrer sans frein à cette curiosité insatiable et passionnée qui le conduit aussi bien dans les musées, les galeries, les églises, les palais et les bibliothèques, que dans les grottes, les caveaux, les catacombes, et jusque dans les entrailles des volcans. Il ne se contente pas de contempler les uvres d'art, les monuments antiques ou modernes, il observe aussi les m urs, la politique, la religion, l'administration, la vie sociale. La beauté des femmes, les usages du monde, la qualité des spectacles, les manières de manger, de boire, de s'habiller, de prier, de se conduire dans le monde : rien ne le laisse indifférent. Il voudrait saisir tout le présent et tout le passé de cette civilisation, l'embrasser toute entière dans une vision unique et universelle. Programme gigantesque, à la mesure de son imagination exceptionnelle, mais qu'il n'a plus remplir, qu'il lui était impossible de remplir. Pourtant, telle est sa première ambition d'écrivain : grandiose, démesurée. En vue de ce « grand uvre », Sade prend des notes à la hâte, au bord des chemins ou dans les auberges, qu'il complète avec les fiches de ses correspondants Mesny et Iberti. Ainsi s'édifie ce monument qu'il destine au public, mais qui ne verra le jour qu'au XXème siècle. Jean-Baptiste Tierce y collabore étroitement : il relit les notes et consigne ses observations sur de petits cahiers, avec des numéros renvoyant aux uvres décrites. Sade en tient le plus grand compte. Souvent, le peintre l'accompagne dans ses randonnées, son carnet de croquis à la main, dessinant les édifices et les paysages qu'ils ont sous les yeux. Une centaine de ces dessins et gouaches ont été récemment retrouvés dans les archives de la famille de Sade. Ils confèrent au Voyage en Italie l'allure d'un véritable reportage. » (Maurice Levert, Sade, pp. 283-284). Provenance : archives de la famille de Sade. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND].

Paris, Gallimard, coll. « le Manteau et l'Arlequin », (27 mars) 1959. 1 vol. (120 x 190 mm) de 297 p. et [3] f. Broché. Édition originale.Envoi signé : « à Nathalie [Parain] qui sera dans [LES POSSÉDÉS] comme un poisson dans l'eau, affectueusement Albert Camus ». Très belle provenance que celle de Natalia Tchelpanova, l'épouse de Brice Parain, originaire de Kiev. Elle deviendra l'une des principales illustratrices de la collection du Père Castor. « Les Possédés sont une des quatre ou cinq oeuvres que je mets au-dessus de toutes les autres. À plus d'un titre, je peux dire que je m'en suis nourri et que je m'y suis formé. Il y a près de vingt ans en tous cas que je vois ses personnages sur la scène. Ils n'ont pas seulement la stature des personnages dramatiques, ils en ont la conduite, les explosions, l'allure rapide et déconcertante. Dostoïevski, du reste, a, dans ses romans, une technique de théâtre : il procède par dialogues, avec quelques indications de lieux et de mouvements. L'homme de théâtre, qu'il soit acteur, metteur en scène ou auteur, trouve toujours auprès de lui tous les renseignements dont il a besoin». L'adaptation sera le dernière grand chantier de Camus. Il y travaillait depuis plusieurs années - les manuscrits les plus anciens sont datés de 1955 - et les premières répétitions ont lieu à la fin de l'automne 1958. Camus vient juste d'acquérir la maison de Lourmarin en octobre mais doit rentrer à Paris pour travailler d'arrache-pied sur sa pièce, un « spectacle total », selon le mot de Camus, qui doit « débuter en feu d'artifice, continuer en lance-flamme, s'achever en incendie ». Malgré la longueur de la pièce - près de quatre heures -, l'accueil est très positif et elle sera jouée sans discontinuer jusqu'à la fin juin à Paris, pour ensuite être jouée en province et à l'étranger, dès juillet à Venise - Camus assurant lui-même la préparation à la Fenice. Camus, qui passe l'automne à Lourmarin où il travaille au Premier homme, se déplacera pour la première en région, à Reims. Puis, trois mois plus tard, en décembre, à Marseille. C'est au cours de cette représentation que sera prise la dernière photographie publique de l'écrivain. Il devait, quelques semaines plus tard, hériter de la direction du théâtre Récamier : l'ordre de subvention venait d'être signé par le conseiller Georges Elghozy, conseiller du Ministre d'État André Malraux qui avait personnellement suivi ce dossier, auquel Camus tenait tant : « Le théâtre me paraît le plus haut des arts littéraires en ce sens qu'il demande la formulation la plus simple et la plus précise à l'intention du plus grand public possible et, pour moi, c'est la définition même de l'art. ».

Pas de couverture. - s.l. s.d. (ca 2010-2020), 21x29,8cm, une feuille. - Dessin original de Thierry Mugler, entièrement réalisé au crayon de papier sur un feuillet de papier fort blanc, représentant une danseuse de ballet en costume d'oiseau. Plusieurs indications manuscrites de la main du styliste : "Collant blanc dégradé gris perle", "Blanc dégradé gris perle", "Juste au bout". Nous n'avons hélas pu retrouver pour quel spectacle Mugler projetait la réalisation d'une telle tenue, mais rappelons que le styliste était très attaché à la danse, ayant lui-même rejoint à quatorze ans les ballets de l'opéra du Rhin. Photographies sans filigrane sur demande [ENGLISH TRANSLATION FOLLOWS] Original sketch drawing Costume project for ballet [ca 2010-2020] | 21 x 29,8 cm | one leaf Original drawing by Thierry Mugler, entirely in pencil on thick white paper, depicting a ballet dancer in bird costume. Several autograph notes by the fashion designer: "Collant blanc dégradé gris perle" ("White tights gray pearl gradient"), "Blanc dégradé gris perle" ("White gray pearl gradient"), "Juste au bout" ("Just at the tip"). Unfortunately, we have not been able to identify for which show Mugler planned to create this outfit, but the designer was undeniably very attached to dance, having himself joined the Rhine Opera Ballet at the age of 14. Clear pictures upon request.

1 vol. in-4 oblong de 1 estampe gravée sur bois 21,8 x 29,8 cm (feuille de couverture), 16,4 x 18 cm (gravure), 21,8 x 29,8 cm (chacune des feuilles de texte) , 2 feuilles de papier vert, texte imprimé au recto seulement de l'une d'elles et vignette gravée sur bois au verso de l'autre - chaque côté imprimé de chacune d'elles comportant un encadrement rectangulaire composé de vignettes typographiques juxtaposées ; gravure en taille-douce et 2 feuilles de texte imprimées recto-verso. Chemise demi-veau caramel, étui bordé. Très rare programme de la soirée à l'Opéra-comique du 14 janvier 1835.A l'intérieur d'une couverture au verso de laquelle une femme est assise auprès d'une horloge marquant minuit, une image intitulée Fête de Nuit signée et datée en bas à droite Célestin Nanteuil 1835 et portant dans la marge supérieure, la mention : Théâtre royal de l'Opéra Comique et une notice de quatre pages commençant par : On manquait à Paris de fêtes où les gens du monde pussent se réunir sans être astreints à l'étiquette des bals particuliers et se terminant par Une affiche publique et des annonces dans les journaux, détermineront les dispositions particulières à la Fête et celles relatives à l'arrivée et au départ des voitures.De Vinck, 13357.

Wooden Box. Etat : Fine condition. Deluxe Limited edition. Book signed and dated "Frank Breuer Paris, 19.11.2005" on colophon and three Type-C prints signed "Frank Breuer" and numbered 10/50 on verso. Oblong Folio Box. Oblong Sextodecimo book. Unpaginated. Original white quarter-cloth over photo-illustrated heavy boards, blue lettering on spine, with white board portfolio containing three color photographs. Folding poster with photo-illustrated list of photographs, all housed in unfinished wooden box with blue lettering printed to top; screw-bolted. Concept and design by Frank Breuer and Marie-Luise Wulf. Scans by Nova Concept, Berlin, and printed by Medialis, Berlin. The elaborate production overseen by Markus Schaden. Frank Breuer took the photographs between 1995 and 2005 in Belgium, France, Germany and the Netherlands. The following quote is taken from an exhaustive and informative write-up of this photo book posted by Bint Photobooks on the internet: "Cologne-based photographer Frank Breuer is a virtuoso of profuse emptiness. His photographs of the bleak but strangely beautiful warehouses and of the logo-bearing, corporate, pylon-like signs that often stand nearby seem largely emptied of discursive, annotative meaning. Because both the warehouses and the emptied sign-structures that are his subject offer no internal articulation, they are essentially scale-less, possessing temporality rather than interiority, and having more to do with duration, extension, and proliferation than with architecture or idea. This leads them toward a role as extrapolated minimalist objects: constant, indivisible, and, being spectacle-free (in the Debordian sense), paradoxically neutral, though imbued with the grace of presentness. He has photographed the generic warehouses, and other architecturally under-articulated buildings (and structures, such as aggregations of industrial containers), that he has found there with the kind of care that Berenice Abbott lavished in the 1930s upon the skyscrapers of New York,1 and with the precision with which Lewis Baltz indexed American tract houses and industrial parks in the early 1970s. Breuer, like a number of other now well-known "new topographic" photographers of the last decade and a half, studied in Düsseldorf with Bernd and Hilla Becher. Frank Breuer studied photography at the University of Applied Sciences in Cologne and at the Düsseldorf Academy of Arts, where he received the graduation certificate and the distinction of master student under Bernd Becher. Breuer received fellowships and grants from the Stiftung Kunst und Kultur NRW, Düsseldorf and the Wüstenrot Stiftung, Ludwigsburg. His photographs are in the collections of the Metropolitan Museum of Art, New York; the Photographic Collection of the Museum Folkwang, Essen; the ZKM Karlsruhe; and the Manfred Heiting Collection, Amsterdam. Frank Breuer is represented by Fiedler Contemporary, Cologne." (Bint Photobooks).

Pas de couverture. Etat : Bon. "Sans date [1966]. Pas de couverture, 37 pages. Quelques plis. MANUSCRIT AUTOGRAPHE SIGNÉ intitulé Le Réel et son Double. 37 pages in-4 (210 x 297 mm), encre noire. Texte non publié, rédigé pour une émission radiophonique consacrée à l'interprétation de la réalité par les écrivains. L'émission enchaine la thèse de Ribemont-Dessaignes et des lectures qui l'illustrent : André Breton,Discours sur le Peu de Réalité ;Herman Melville,Moby-Dick ;Raymond Roussel,Impression d'Afrique, Vueet Isidore Ducasse,Les Chants du Maldoror. "La situation humaine dans le monde est d autant plus compliqué que si vous frissonnons lorsque nous constatons notre impossibilité de connaissance du réel, nous donnons volontiers le change en cherchant, assez sadiquement parfois à dévoiler à notre prochain précisément toutes ces étrangetés, tous ces échos, toutes ces perspectives bizarres, insolites, voir fantastiques, que révèle l étude de la réalité. Mais cette fois, non plus froidement et selon un esprit scientifique, mais bien en donnant une sorte de personnalité vivante, avouée et volontaire, à toutes ces étrangetés et ces fantasmes. C est à dire que l art, la poésie et la littérature les montent en épingle. Les gens raisonnables, tranquilles, sans soucis sont alors loin de croire que ce sont précisément ces manifestations de l esprit qui s approchent le plus de la connaissance réelle. Mais nous l allons pas discuter la dessus. L essentiel pour nous est de voyager dans ce pays de l étrange et l insolite, et d y considérer sans inquiétudes nouvelles ces manifestations de l inquiétude vivifiée par l art du langage et de la pensée. C est bien à dessein que nous employons le mot «voyager». En effet c est toujours d une sorte de voyage qu il s agit, un voyage que nous introduit plus profondément dans la réalité , ou si l on veut, au contraire, dans le peur de réalité des êtres que nous parons d un assez monstrueux anthropomorphisme, où si l on veut, que nous dotons d une vie analogue à la notre. Au lieu de voyager dans des paysages géographiques, nous voyageons dans la vie d animaux, de végétaux ou même d objets créés par l homme et au besoin encore des objets inanimés mais que nous feignons de croire animés.[ ]" "Spectacle bien étrange et sinistre où apparaissent où apparaissent et s éteignent des signes d entente tragique entre la réalité intérieure des hommes et la réalité du monde dont il fait partie. Mais avec Melville l homme s engage tout entier. Il y a un grand duel entre l être et les êtres, au cours duquel l inanimé lui-même s anime et semble posséder une âme. Illusion des illusions ! Cependant il arrive aussi qu un poète, un écrivain, un artiste ne combat pas de cette manière. Il reste sans passion. Il garde une froide résolution pour recréer à sa guise une réalité. Les apparences de sa création demeurent réalistes, mais leur fonctionnement ne marche pas selon le sens commun. Et c est ainsi qu on se trouve dans un univers tout à fait insolite dans lequel tout est imprévu, et quelque peu démentiel. On regarde, on constate, on ne comprend plus très bien ce qu il se passe. Ainsi en est-il par exemple de l univers disparate et sans cesse renouvelé que créé un écrivain qu il faut bien croire du commencement du vingtième siècle, encore qu il faille plutôt le situer en dehors de n importe quel siècle passé ou à venir. C est Raymond Roussel. Homme fortuné, qui pouvait faire éditer ses romans, comme les Impressions d Afrique, ses poésies comme La Vue et les Nouvelles Impressions d Afrique, et jouer ses pièces comme Locus Solus, Poussières de Soleil ; il provoqua, à l apparition de chacune de ses oeuvres, un scandale violent auquel les mouvements d avant-garde ne tardèrent pas riposter en criant au génie, alors que les autres le traitaient de fou. Fou parce que son raisonnement trouvait le moyen dans un mouvement classique, de pénétrer dansun très singulier monde où la raison conventionnelle se révolte, mais ou l intuition de l esprit découvre de très inqu. Signé par l'auteur.